Hélène Delprat has imagined an exhibition specifically for the Foundation, titled I did it my way. Dark films and mirrors, vast paintings with hilarious titles, cinema voices, radiophonic drawings, birds’ heads, photocopies, Louis XIV, Georges Franju’s Judex and the curious rite of the tonsure… here’s what we can expect from this ‘lugubrious game’, one that is both serious and funny. Hélène Delprat likes nothing more than to play around with L’Extension du Pire, the monstrous ugliness or beauty of things, Macbeth’s witches, actors, the ridiculousness in each of us, laughter…

Remarkable space in the Musée de l’Homme, the Yvonne Oddon research library, named after the historical librarian of the museum and member of the resistance, gathers significant documentary resources on prehistory, biological anthropology, human ecology and ethno-biology. Two female visual artists, Diana Quinby and Marie-Pierre Brunel, whose practices are linked respectively to anthropology and prehistory, are presenting a selection of artworks in the lecture room.

Women House is the meeting of two notions: a gender – the female – and a space – the domestic one. Architecture and public space have been masculine while the domestic space was for a long time the prison or the shelter of women: this historical evidence is nevertheless not a fatality and the exhibition Women House shows this. On a 1000 Sq m. floor area and in some of Monnaie de Paris’ courtyards, it brings together 40 female artists of the 20th and 21st centuries who take up this complex subject and place women at the centre of a history of which they were absent.

In a unique collaboration with Castello di Rivoli, the first retrospective in France of the Indian artist titled Nalini Malani. The Rebellion of the dead. Retrospective 1969-2018 covers fifty years of creativity, presenting works including her latest painting series All We Imagine as Light and the site responsive Wall drawing/Erasure Performance Traces. Apprehending Nalini Malani’s work from both a non-chronological and a thematic angle, the exhibition tackles the various concepts underlying her oeuvre: utopia, dystopia, her vision of India and of the role of women in the world.

The studio-house of Chana Orloff, where she lived from 1926 until her death in 1968, was designed by the modernist architect Auguste Perret, commissioned by the Ukrainian sculptress. It is quite extraordinary to note that its functions haven’t changed since then. Thanks to the effort of her rightholders, The ateliers Chana Orloff are now devoted to the presentation and preservation of her numerous artworks. Shana Orloff, who had been celebrated and making a living from her art since the mid-1910s, is a leading figure of modern sculpture to (re)discover.

In the frame of the evening Hommage à Hessie, Survival Art, organised by the museum, followed at 6.30 pm by a lecture by the artist Pélagie Gbaguidi, and a conversation between the artists Pélagie Gbaguidi, Perrine Lacroix and the curators Sonia Recasens et Annabelle Ténèze
The Abattoirs in Toulouse, in collaboration with the MUSAC in León (Spain), organises the first important exhibition in a French museum of the marginal figure on the art scene Hessie. The exhibition sheds light on the plurality and complexity of her work. Since the end of the sixties, Hessie had been appropriating the techniques of embroidery, and developing a singular oeuvre with a rigorous, abstract and subversive artistic language, resonating with artistic movements such as minimalism or soft art, as well as with the French women’s movement.

AWARE organises at the National Archives, in the Hôtel de Soubise, the exhibition of the AWARE prize for women artists 2018, presenting the four established artists and the four emerging artists entered in the prize. The artists’ duos: Marianne Mispelaëre and Tania Mouraud, Mélanie Matranga and Nil Yalter, Julie Béna and Nicola L., Violaine Lochu and Vera Molnár dialogue with the exceptional rocaille decor conceived by Germain Boffrand at the appartement de la Princesse.

The visit is preceded at 3.30 pm by the screening of Pictures for a revolution (90’), at the auditorium of the Jeu de Paume,
The retrospective devoted to the American photographer Susan Meiselas (b. 1948, Baltimore) brings together a selection of works from the 1970s to the present day. A member of Magnum Photos since 1976, Susan Meiselas questions documentary practice. She became known through her work in conflict zones of Central America in the 1970s and 1980s in particular due to the strength of her colour photographs. Covering many subjects and countries, from war to human rights issues and from cultural identity to the sex industry, Meiselas uses photography, film, video and sometimes archive material, as she relentlessly explores and develops narratives integrating the participation of her subjects in her works. The exhibition highlights Susan Meiselas’ unique personal as well as geopolitical approach, showing how she moves through time and conflict and how she constantly questions the photographic process and her role as witness.

Image: © Susan Meiselas/ Magnum Photos

This exhibition looks into creative pair-work and the mechanisms of an artistic companionship: does each approach dissolve into one, are they complementary or do they oppose each other? Here, are explored the creative processes and artistic approaches which interact and evolve within the intimacy of a twosome to give us a broader understanding of Art History and the soul and fringes of its essential movements. The very idea of modernity, as impacted by social, artistic and technical evolutions, is reviewed here through the prism of the couple.

Images : Claude Cahun (Lucy Schwob, dit), Self-portrait (reflected image in mirror, checked jacket), 1928, © Jersey Heritage, Jersey / Claude Cahun (Lucy Schwob, dit), Suzanne Malherbe/Marcel Moore, 1928, © Jersey Heritage, Jersey

The retrospective exhibition Mary Cassatt (1844-1926) at the museum Jacquemart-André sheds light on the only American feminine figure of the impressionist movement, which, spotted by Degas in the 1874 exhibition, regularly exhibited afterward with the group. Considered in her lifetime as the most influential American artist, Cassatt lived more than sixty years in France, before being somehow forgotten in the hexagon. This monograph offers a rediscovery of her oeuvre through about fifty major works, oil, pastels, drawings and engravings. Laurent Manœuvre, author of a recent monographic study on her work and a specialist of impressionist women artists, will conduct the visit.

Image : Mary Cassatt, Petite fille dans un fauteuil bleu, vers 1877-1878, huile sur toile, 89,5 x 129,8 cm, Inv. 1983.1.18, National Gallery of Art, Washington, Collection of Mr. And Mrs. Paul Mellon © Courtesy National Gallery of Art, Washington

Image: Sabine Weiss, New York, États-Unis, 1955, gelatin silver print, 23,3 x 30,3 cm, Collection Centre Pompidou, Paris, © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Philippe Migeat, Dist. RMN-GP, © Sabine Weiss

Le CCC OD met à l’honneur, à travers deux expositions parallèles, les récentes productions new-yorkaises de l’artiste franco-égyptienne Ghada Amer ; une occasion rare de redécouvrir en France le travail de cette artiste incontournable de la scène contemporaine internationale. L’exposition Dark continent présente, dans la galerie noire du centre d’art, une vingtaine d’œuvres : ses toiles brodées qu’elle fait dialoguer avec ses dernières recherches sculpturales dans lesquelles elle explore le métal. Dans la Nef, l’artiste réactive à une échelle monumentale sa Cactus Painting, un jardin intérieur conçu comme une référence détournée et piquante à la grande tradition de la peinture abstraite américaine.

Image : Ghada Amer, Cactus Painting, 1998, projet in situ, théâtre de Sagunto, Espagne, Courtesy Cheim & Read, New York

Image : Paula Rego, Scavengers, 1994, acrylic on paper mounted on canvas, 120 x 160 cm, private collection, Courtesy Marlborough Fine Art, © Paula Rego

Image : Lili Reynaud Dewar, Les invisibles, 2007, deux masques en cuir, 70 x 69 cm/70 x 75 cm, Collection FRAC Champagne-Ardenne, Reims, ©  Lili Reynaud Dewar

Image: Ana Mendieta, Creek, 1974, film super-8, Courtesy Galerie Lelong & Co, © The Estate of Ana Mendieta Collection, LLC

Image : Joana Vasconcelos, Material Girl, 2015, crochet en coton fait à la main, tissus, LED, ornements, structure gonflable, ventilateurs, bloc d’alimentation, câbles en acier, 525 x 935 x 2300 cm, collection de l’artiste, Courtesy MAMCS, Strasbourg, © Joana Vasconcelos / Adagp, Paris, 2018

Image : Vue de l’atelier de Jean Arp et Sophie Taeuber, Clamart, © Fondation Arp

Image: © Art Paris Art Fair

The Fondation des Artistes and the Villa Vassilieff join forces to pay a tribute to Marie Vassilieff. At the beginning of the 1910s, the artist moved in a studio 21 Avenue du Maine, and spent the last years of her life, from 1953 to 1957, at the Maison nationale des artistes in Nogentsur-Marne.
The exhibition takes a fresh look at this federating artist, a key artist of Montparnasse in the first half of the 20th century, which art remains too little known.
The Villa Vasillief invites artist Liv Schulman to engage with the entire exhibition space to present her new series of films: Le Goubernement, which proposes a new history of feminist art, one that allows all liberties, to the point of absurdity.

Image: Marie Vassilieff et Jean Börlin costumés pour le Bal Olympique, 1924, Claude Bernès collection, © Photo: Isabey, all rights reserved

Au milieu des années 1970, alors que le féminisme connaît un élan sans précédent aux États-Unis, les trois photographes américaines Eve Arnold, Abigail Heyman et Susan Meiselas publient chacune un livre d’un genre nouveau (Growing up Female, The Unretouched Woman, Carnival Strippers). Associant témoignages et images, elles offrent un regard inédit sur la vie des femmes dans le monde du travail et l’existence quotidienne, jusque dans leur intimité. Ces trois photographes imposent leur signature et expérimentent grâce à la forme du livre. Toutes mettent les femmes à l’épreuve de l’image photographique, contournant les clichés pour dessiner des représentations alternatives. L’exposition dévoile l’élaboration singulière de leurs ouvrages à partir des maquettes et des planches-contacts.

Visite par la commissaire de l’exposition Clara Bouveresse, lauréate de la Bourse de recherche curatoriale des Rencontres d’Arles.

Image : Couverture du livre d’Eve Arnold, The Unretouched Woman, New York, Knopf, 1976, © Eve Arnold /Magnum Photos

Image : Cecilia Beaux, Sita et Sarita ou jeune fille au chat, 1893-1894, RF1980-60. Localisation : Paris, musée d’Orsay. © Photo: RMN-Grand Palais (musée d’Orsay) / René-Gabriel Ojéda. Service presse/ Musée d’Orsay.

Les sculptures, les actions performatives ou les installations de Katinka Bock sont toujours le résultat d’une expérience liée à un lieu spécifique dont elle aurait sondé les conditions physiques et matérielles tout en explorant leur dimension historique, politique et sociale.
Son intérêt pour la mesure et le lieu se traduit dans la formulation d’hypothèses préalables au travail de sculpture, par des questionnements sur l’idée a priori du lieu, sur sa persistance dans le temps ou son changement en fonction du vécu.
Le travail de Katinka Bock a fait l’objet de nombreuses expositions institutionnelles à l’international mais de manière surprenante jamais à Paris, ville qu’elle habite pourtant depuis plusieurs décennies. La restauration d’un bâtiment à Hanovre offre une occasion inattendue de concevoir avec Katinka Bock un projet original et spectaculaire dans tous les espaces de Lafayette Anticipations.

Image : © Katinka Bock

En partenariat avec le Käthe Kollwitz Museum Köln, le Musée d’art moderne et contemporain de Strasbourg (MAMCS) organise la première rétrospective française consacrée à l’artiste allemande Käthe Kollwitz (1867-1945). Témoin des crises politiques et sociales de son temps et auteure d’une œuvre marquée par son pacifisme, Käthe Kollwitz est ici montrée comme une artiste complète (graveuse, dessinatrice et sculptrice) dont le réalisme expressif influencera son époque et au-delà. Se présentant elle-même comme une artiste engagée, Käthe Kollwitz aura retenu comme sujets de prédilection les grands drames qui traversent son époque, n’hésitant pas à inclure des éléments personnels dans son art. Cette vaste rétrospective (600 m², 170 œuvres) vient porter à la connaissance du public une œuvre qui passe de l’autobiographie à l’universel en traitant de thèmes tels que l’amour maternel, les conflits sociaux, la Grande Guerre, la mort ou le deuil. Réunissant ses cycles gravés les plus connus (La Révolte des Tisserands, La Guerre des Paysans), des dessins et des œuvres graphiques ainsi que de nombreux autoportraits, l’exposition met en lumière le trait expressif, parfois poignant, si particulier de Käthe Kollwitz.

Commissariat : Hannelore Fischer, directrice du Kollwitz Museum Köln et Alexandra von dem Knesebeck, historienne de l’art et spécialiste de Käthe Kollwitz, auteure du catalogue raisonné des gravures.

Image : Käthe Kollwitz, Les Mères, feuillet 6 de la série Guerre, 1921–22, gravure sur bois, Kn 176 © Käthe Kollwitz Museum Köln

Le travail de Lubaina Himid, figure emblématique du British Black Art, est habité par la diaspora africaine, dont l’artiste questionne l’invisibilité dans les champs social, politique et artistique à travers l’histoire. Le CAPC de Bordeaux consacre une exposition à cette artiste britannique incontournable, née en 1954 à Zanzibar et qui a remporté le Turner Prize en 2017. C’est une occasion exceptionnelle de découvrir ou redécouvrir l’œuvre Naming the Money (2004), qui a récemment intégré la collection du Musée international de l’esclavage de Liverpool. Cette installation met en scène des figures d’esclaves, issues de peintures européennes des XVII^e et XVIII^e siècles où ils servaient de symbole de richesse et de faire-valoir auprès de leurs maîtres. Animée par une bande sonore, cette foule raconte les identités à l’épreuve du déplacement, rendant à ces personnes leurs noms et leurs métiers, une présence. Elle entre en dialogue avec un ensemble de toiles abstraites de Lubaina Himid, extraites de la série Zanzibar, que l’artiste a consacrée en 1999 à son île natale. À partir d’un regard critique porté sur l’histoire de l’art, ces œuvres recèlent de fortes résonances politiques, en particulier dans le cadre du CAPC, installé dans un bâtiment lié au commerce colonial.

Commissariat : Alice Motard, commissaire en chef du CAPC, musée d’art contemporain de Bordeaux

Image : Lubaina Himid, Naming the Money, 2004. Vue de l’exposition Navigation Charts, Spike Island, Bristol, 2017, Courtesy de l’artiste, Hollybush Gardens, Londres et National Museums Liverpool: International Slavery Museum, © Photo : Stuart Whipps

Le musée Rodin met à l’honneur Barbara Hepworth (1903-1975), figure majeure de la sculpture britannique du XX^e siècle. L’exposition présente des sculptures, peintures et dessins de l’artiste et révèle ses liens historiques avec le musée, parmi les rares lieux français à avoir présenté son travail de son vivant. C’est l’occasion pour le public de redécouvrir cette créatrice encore peu connue en France. Confrontée aux bombardements de Londres, Barbara Hepworth proposait à travers son œuvre un contrepoint à la barbarie de la Seconde Guerre mondiale, tendant à exprimer « un peu de la vision abstraite et universelle de la beauté ». L’artiste a développé une sculpture abstraite aux formes organiques inspirées par la contemplation de la nature et qui, travaillée en taille directe, résulte d’une implication physique forte et d’un rapport particulier avec le matériau dont attestent des documents issus de son atelier également exposés au musée Rodin.

Commissariat : Catherine Chevillot, conservateur général, directrice du musée Rodin et Sara Matson, conservateur à la Tate St Ives

Image : Barbara Hepworth, Three forms, 1935, marbre Serravezza sur socle en marbre, 21 x 53,2 x 34,3 cm, © Photo : Tate

Structure alternative proposant un accompagnement personnalisé aux artistes, L’ahah met à l’honneur les artistes Ran Zhang et Katrin Koskaru dans deux expositions proposant chacune à leur manière une exploration plastique des limites du visible.
Recourant à l’agrandissement microscopique et à diverses techniques graphiques et photographiques, Ran Zhang déjoue l’idée que l’on se fait de l’image d’un objet pour en explorer le processus de création. Dans sa dernière série, elle s’intéresse à l’infiniment petit et aux représentations des molécules, issues d’un travail de modélisation et donnant lieu à une esthétique particulière, non dénuée de poésie.
Sensible à l’atmosphère régnant dans certains paysages marqués par la violence et le pouvoir, Katrin Koskaru procède par abstraction pour essayer de communiquer l’invisible. Elle a collecté des images liées à l’actualité militaire et les a transposées en peinture en procédant par effacement pour répondre à la saturation autant qu’à la perte d’information. Les dernières œuvres de l’artiste introduisent un rapport inédit à l’espace, en écho à son intérêt pour l’architecture.

Image : Katrin Koskaru